#VINYLFRIDAY “News of The World” Queen 1977

Finales del año 1977, estaba muy feliz, me preparaba para celebrar el 1er año de novio con la que aun sigue siendo mi Esposa-novia, con ella, he ido recopilando un soundtrack de nuestra vida en pareja.

Tenia por costumbre, pasar todos los fines de semana por Don Disco, en el Centro Comercial Chacaito, a ver que disco nuevo o interesante conseguía, sorpresa, allí estaba a la venta, lo que para mi, ojo “PARA MI” es el mejor álbum de la banda inglesa Queen.

News of the World, es el sexto álbum de estudio de la banda británica de rock Queen, lanzado el 28 de octubre de 1977 bajo el sello Elektra Records con una duración de 39 minutos 30 segundos. El título del álbum hace referencia al periódico británico News of The World,

Contiene canciones tan exitosas como We Will Rock You, We Are The Champions, ambas comúnmente usadas en eventos deportivos y Spread Your Wings, el álbum consiguió cuatro discos de platino en los Estados Unidos, y junto con el álbum de 1980 The Game, ostentan el título de ser el disco más vendido de Queen en Estados Unidos.

También contiene un tema muy particular, donde no aparece Brian May, puesto que no hay guitarra, y que escogí para presentarlo en el programa de radio de Polo Troconis y el Master Ivan Loscher, como oyente editor invitado.

My Melancholy Blues es una balada compuesta por Freddie Mercury. Tiene un ritmo lento, es uno de los pocos blues compuestos por Queen, con voces a bajo nivel, acompañado por un bajo sin trastes y percusión con escobillas.

Y por supuesto, tanto mi esposa-novia, como yo, somos de los casi 40 mil personas, que asistimos al Poliedro de Caracas, que tuvimos la suerte de experimentar el sonido en directo de esta gran banda.

Por esta semana, que el Rock de la Reina los bendiga. “Somos los Campeones” escuchando “Mi Melancólico Blues”.

#VINYLFRIDAY “Destroyer” Kiss 1976

Año 1976, de suma importancia para lo que me ocurriría en el ultimo trimestre, pero vamos a situarnos a mediados del mes de junio, si mal no recuerdo, fue en la discotienda “Eltron” ubicada en el Centro Comercial Caurimare, donde vi esa caratula de los 4 rockers con sus rostros pintados de demonio, niño estrella, hombre gato y el As del espacio, de una, lo compre y me fui a casa a escuchar a todo volumen “Detroit Rock City” la performance de este grupo, que rompía esquemas con sus trajes y maquillaje, mas el sonido fuerte de las guitarras y bateria, me atrapo, y como para que no sudaramos oyendo todo el disco, se inventaron una balada rock “Beth” que te hacia pasar de 100 a 1 en un periquete.

Destroyer, es el cuarto álbum de estudio de la banda KISS, lanzado el 15 de marzo de 1976 bajo el sello CasaBlanca Records, con una duración de 34 minutos 41 segundos. Fue el segundo disco consecutivo de Kiss en llegar al Top 20 en Estados Unidos, además de asegurarse el primer puesto en Alemania y Nueva Zelanda. Fue producido por Bob Ezrin, reconocido por su trabajo con bandas como Pink Floyd y con solistas como Alice Cooper.

Destroyer es también el primer álbum de Kiss en contar con apoyo de músicos extra, entre los que se encuentra la New York Philharmonic-Symphony Orchestra, además de un músico que no fue acreditado: Dick Wagner, el cual era parte de la banda de Alice Cooper, y que reemplazó a Ace Frehley, en canciones como “Sweet Pain” (en la que Ace rehusó grabar porqué no quería interrumpir un juego de cartas que estaba llevando a cabo durante la grabación del corte) y “Flaming Youth”, un tema que el mismo Ace co-escribió. Además Wagner tocó la guitarra acústica en la canción “Beth”.

Kiss se formo en New York, en enero de 1973 por el bajista Gene Simmons y el guitarrista Paul Stanley, a los que más tarde se unirían el baterista Peter Criss y el guitarrista Ace Frehley. Conocido por su maquillaje facial y su extravagante vestuario, el grupo se dio a conocer al público a mediados de los años 1970, gracias a sus actuaciones en directo, en las que incluían pirotecnia, llamaradas, cañones, baterías elevadoras, guitarras con humo y sangre falsa. Si se tienen en cuenta los álbumes en solitario de 1978, Kiss ha conseguido treinta discos de oro de la RIAA y es la banda estadounidense que ha recibido un mayor número de estas certificaciones. El conjunto ha vendido más de 80 millones de álbumes en todo el mundo y veinticinco millones solo en los Estados Unidos.​ A pesar de no haber alcanzado nunca la primera posición del Billboard 200, ha situado veintiséis de sus trabajos entre los cuarenta primeros puestos.

Para no dejarlos con la intriga, lo sucedido en el ultimo trimestre de 1976, fue lo mas hermoso y maravilloso que me paso, conocí a mi compañera de este largo viaje de vida, aun nos mantenemos unidos, siempre rockeando.

Por esta semana que el estilo KABUKI de Kiss, los bendiga. “Beth” realmente “Tu me amas” entonces vamos a “Detroit la ciudad del Rock”.

#VINYLFRIDAY “For You Pleasure” Roxy Music 1973

Mediados del año 1973, andaba un poco descarrilado, por esas cosas de la adolescencia que no te permiten ver mas allá del horizonte, recuerden que les había contado de mi mudanza al otro extremo de la ciudad, dejando atrás a mis amigos de la infancia, en esa época no era nada fácil ir del norte al este y viceversa, esto me llevo a experimentar cosas nuevas, en mi caso con la música. Siempre me gusto el Glam Rock, el Art Rock, mas lo que se venia gestando, como el New Romatic o New Wave.

Así que a finales del año 1973, decidí adquirir el segundo disco de una banda llamada “Roxy Music”, menuda sorpresa, al pasar los años, esos nombres adquirieron notoriedad como banda y por solitarios. La voz aterciopelada de Bryan Ferry, el ingenio ilimitado de Brian Eno (por cierto, fue el ultimo disco donde apareció), la majestuosidad de Phil Manzanera.

Su música constituye una mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del Rock and Roll, enriquecida por la teatral actividad de su vocalista y mentor Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música comercial actual: Brian Eno. (OJO, no tiene nada que ver con la Sal de Fruta)

La combinación de experimentación, energía roquera, elementos futuristas y personalidad de Ferry hizo que Roxy Music haya influido en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el disco, punk rock, new wave, new romantic, synth pop, y que se convirtiera en uno de los grupos pioneros indiscutibles del dance con la canción “Angel Eyes” de 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto 98 de su lista Los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

Por esta semana, que el sonido del New Wave Romantic de Roxy Music, los envuelva. “Estrictamente Confidencial” te digo que eres una “Preciosa Reina” solo “Por Tu Placer”.

#VINYLFRIDAY “The Dark Side of The Moon” 1973 Pink Floyd

Siendo un adolescente, en plena efervescencia y con una extraña experiencia vivida, como fue, el de ese encuentro del tercer tipo, era imposible no tener este LP como uno de los discos que mas escuchaba, si bien es cierto que ya había tenido el placer de oír otros discos de esta banda, como UMMAGUMMA de 1969 o OBSCURED BY CLOUDS de 1972, fue este trabajo conceptual, el que nos llevo a volar sin necesidad de alas.

El octavo álbum de estudio de la banda británica Pink Floyd. grabado en los estudios Abbey Road entre los meses de junio 1972 y enero 1973 bajo el sello Harvest Records y Capitol Records, con una duración de 42 minutos 59 segundos. Fue lanzado el 1 de marzo de 1973 en los Estados Unidos y el 24 de marzo del mismo año en el Reino Unido. Se estima que el álbum ha vendido más de 50 millones de copias en todo el mundo.​

El álbum está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones, pero carece de las largas piezas instrumentales que caracterizaban a los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barret. La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento, el significado de la vida, el miedo a la muerte y la enfermedad mental, este último inspirado, en parte, por el deterioro mental de Barrett.​

El álbum se desarrolló como parte de una futura gira de la banda, estrenándose en directo varios meses antes de que siquiera hubieran comenzado las grabaciones en el estudio. El nuevo material se fue refinando a medida que avanzaba la gira, y fue grabado en dos sesiones en 1972 y 1973 en los Abbey Road Studios de Londres. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipistas y Loops. En varias de las pistas se usaron sintetizadores analógicos, mientras que una serie de entrevistas con la banda y el equipo técnico aparecen a lo largo del álbum en forma de citas filosóficas. Alan Parsons, fue el responsable de algunos de los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry.

Fue un masivo éxito comercial, llegó a lo más alto de la lista Billboard 200 durante una semana,​ y permaneció en las listas 937 semanas (más de 19 años), siendo así el álbum que más tiempo ha permanecido en listas de la historia musical. Con una estimación de ventas de más de 50 millones de copias, siendo así el tercer álbum más vendido en la historia de la música, tan sólo detrás de Thriller de Michael Jackson y Back in Black de AC/DC, es uno de los álbumes con mayores ventas del mundo y el más exitoso de Pink Floyd. Ha sido remasterizado y reeditado en dos ocasiones, además de haber sido versionado por varias bandas. Del álbum se extrajeron dos sencillos: “Money” y “Us and Them”

Además de su éxito comercial, The Dark Side of the Moon fue aclamado de forma casi unánime por la crítica y es considerado un trabajo seminal en la historia del Rock y toda la música moderna a partir de su publicación, estableciéndose desde entonces como un auténtico hito de la música y la cultura popular, tanto por sus innovaciones en la grabación de estudio que han sido fuente de influencia para una gran cantidad de músicos, el gran carácter universal de su concepto y el arte de su portada, que ha sido igualmente aclamada como un icono cultural y objeto de numerosas imitaciones y homenajes. Numerosas listas y rankings lo tienen privilegiadamente entre los mejores discos de todos los tiempos. A día de hoy continúa siendo el álbum más conocido de la banda, tanto entre sus seguidores como con la crítica especializada, quienes lo tienen como uno de los trabajos más influyentes y valorados en toda la historia de la música popular, siendo seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de la Grabación de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser “cultural, histórica, o estéticamente significativo”. Muchos críticos y encuestadores de la escena del rock siguen considerándolo como el mejor álbum de todos los tiempos.

Por esta semana, que el sonido mágico de Pink Floyd los bendiga. Espero no haber sufrido “Daño Cerebral” después de ese encuentro cercano del tercer tipo, es posible que este viendo “El gran concierto en el cielo” allí no necesito “Dinero” ni “Nosotros y Ellos”.

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#VINYLFRIDAY “Chase” 1971

Año 1971, mi reacción debe haber sido, como decir ahora “bueno, bueno, bueno, pero esto que es”. Cuando vienes de escuchar rock progresivo, muchas guitarras y baterias explosivas, te encuentras un LP donde los instrumentos que resaltan son los metales, específicamente trompetas y por supuesto el órgano Hammond, tenia que darle un chance y escuchar completo ese disco.

No tenia ni idea quien era William Edward Chiaisie, mejor conocido como “Bill Chase”, nacido el 20 de octubre de 1934 en Dorchester, Massachusetts. Hijo de padres músicos, se dedicó desde muy joven al jazz, y formó parte de las orquestas de Maynard Ferguson, Stan Kenton y Woody Heman, con quien ocupó el puesto de primer trompeta durante varios años.

Impresionado por las posibilidades de los grupos de jazz-rock, Bill, ya con 35 años, formó el grupo, con una sección rítmica potente y una línea de metales absolutamente novedosa e impactante: Cuatro trompetistas, ningún saxo, ningún trombón. La banda se denominó, provisionalmente, con su apellido y así se quedó definitivamente. Los músicos de su primera formación, fueron: el propio Bill Chase, Alan Ware, Ted Piecerfield y Jerry Van Blair (trompeta y Fliscorno), John Palmer (guitarra), Phil Porter (teclados), Dennis Johnson (bajo), Jay Burrid (bateria) y Terry Richards (vocal).

El sello Epic editó un sencillo, con un adelanto de su primer álbum, llamado “Get it on” (1970) que produjo un impacto enorme en los medios y el público, por la potencia de la sección de viento, a la que Chase hacía trabajar en tesituras agudas y comenzando desde un fortíssimo para ya no bajar de ahí en todo el tema. El disco estuvo treinta semanas, a comienzos de 1971, en los charts de Billboard.

El primer álbum  de la banda, se llamó como el propio grupo, Chase (1971) y tuvo una acogida excepcional de la crítica. Chase fue designado como segundo mejor músico Pop y Rock del año, tras Frank Zappa, y barrieron ese año en los polls de la revista Down Beat, la más importante sobre jazz en Estados Unidos. Bill fue nombrado “mejor trompetista” por los críticos; el disco, “mejor disco de pop del año”; y el grupo, la 2ª “mejor banda de rock/blues”.

El 9 de agosto de 1974, en una gira, volando durante una fuerte tormenta, el avión que los traslada se accidenta y mueren el propio Bill y tres de los miembros de su nueva banda: el guitarrista, John Emma; el teclista, Wally Yohn y el bajista, Walter Clark, además de los dos pilotos.

La muerte de Bill Chase es, también, el fin de la banda.

Unos años después de su muerte, se editó un álbum-homenaje, Watch closely now (1977), con la participación de todos los miembros de la formación original y los supervivientes al accidente, tomando el trompetista Walt Johnson el papel del propio Chase.

Por esta semana, que el sonido de las trompetas de la Banda Chase, los bendigan. Cuando quieras escuchar algo nuevo, no lo dudes “Hazlo”, “Abre de par en par tus sentidos” para que veas a “Los niños y las niñas juntos” bailando.

#VINYLFRIDAY “Vanilla Fudge” 1967

Si bien es cierto que este LP salio a la venta en agosto de 1967, no fue sino hasta la temporada de vacaciones del año 1969 cuando lo conocí.

Quería saber como sonaban las canciones de The Beatles, interpretadas por una banda de rock psicodelico o progresivo.

Como era el primer disco que grababa “Vanilla Fudge”, no tenia ni la mas remota idea de como era su sonido.

Por supuesto, después de escuchar todo el disco, quede prendado y muy a gusto con esta nueva banda, la cual sume a mis favoritas. Seguramente este disco estará en pocas casas, pero ahora, es un LP de colección, de culto.

Las versiones de “People Get Ready” “You Keep Me Hangin On” “Ticket To Ride” Eleanor Rigby” son espectaculares.

Vanilla Fudge es una banda de Rock estadounidense, que surgió a mediados de los años 60 en Long Island, New York. Cultores del Rock Psicodelico, y considerados un precedente del futuro Heavy Metal, la primera fase del grupo transcurrió desde 1966 hasta 1970, sus miembros incluían al organista Mark Stein, al bajista Tim Bogert, el guitarrista Vince Martell y el baterista Carmine Appice. El sonido de la banda ha influenciado los primeros años de importantes nombres del Heavy Metal, Hard Rock y Progresivo como Yes, Deep Purple, Black Sabatth o Uriah Heep. Siguen en actividad hoy día, con tres de sus cuatro miembros originales.

A principios de 1967 su manager convenció al productor George Morton a llevarles en un “directo”. Morton, impresionado por su dura versión de “You Keep Me Hangin’ On”, de The Supremes, les ofreció grabar un sencillo con la canción. Como resultado del mismo, Atlantic Records bajo su sello Atco, les ofreció un contrato que requirió un cambio de nombre.

Iniciaron su nueva época con nuevo nombre, con una gira para promocionar su disco homónimo Vanilla Fudge (1967), ampliando gradualmente su número de fans.

En 1968, lideraron junto a Steve Miller band shows en el Fillmore West, tocaron “You Keep Me Hangin’ On” en “The Ed Sullivan Show”, y publicaron su segundo disco The Beat Goes On, que subió hasta el Top 20. Atco reeditó ese mismo año “You Keep Me Hangin’ On”, y en esta ocasión alcanzó el Top 10. Fue seguido por Renaissance, uno de los mejores discos de Vanilla Fudge, también en el Top 20. La banda lo presentó girando con Jimi Hendrix, abriendo también varios shows en la despedida de Cream  y, a finales de año, fueron acompañados por Led Zeppelin, quienes en ese entonces comenzaban su primera gira por los Estados Unidos, antes de grabar su primer álbum.

Por esta semana que el sonido Psicodelico de Vanilla Fudge los bendiga. “Me Mantienes Esperando” por ese “Boleto de Viaje” para ver a “Eleanor Rigby”

#VINYLFRIDAY “City to City” Gerry Rafferty 1978

Esta semana, otro disco que lo compras para escuchar una sola canción y resulta ser un tremendo LP, un sonido limpio, impecable y la voz de Gerry que te atrapa, te invita a escucharlo con detenimiento.

El segundo disco en solitario de este músico, nacido en Paisley, Escocia el 16 de abril de 1947, salio a la venta el 20 de enero de 1978 bajo el sello United Artists Record. Gerry fallece en Inglaterra el 4 de enero de 2011.

Empezó su carrera como músico callejero. Su primer grupo fue los Humblebums, para después sacar un disco en solitario, y en 1972 formó un nuevo grupo, Stealers Wheel, junto a Joe Egan. Desde 1975, año en que este último grupo se disolvió, ha sacado todos sus discos en solitario. Su canción más conocida en solitario es “Baker Street”, incluida en el disco City to city, de 1978. “Right Down The Line” es otra de sus canciones más conocidas, al igual que la que compuso para Stealers Wheel, “Stuck In The Middle With You”, y que formó parte de la banda sonora de la película de Quentin Tarantino “Reservoir Dogs”.

Por esta semana que el Folk Rock de Gerry los bendiga. Si vas a la “Calle Baker” mantente “Bajo la linea”.

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#VINYLFRIDAY “Bridge Over Troubled Water” Simon and Garfunkel 1970

Otro disco mas de los que a primera vista no te llaman la atención, por cierto, seria el ultimo disco de estudio que grabarían Paul Simon and Art Garfunkel, el disco que salio a la venta en enero de 1970 bajo el sello Columbia Records con una duración de 36 minutos y 29 segundos, no fue sino a finales de ese año que lo pude escuchar.

Venia precedido por el tema que estaba sonando en las diferentes emisoras de radio AM de la época “If I Could, El Condor Pasa”, solo basto tomar unos minutos mas, para saber que seria un álbum de antología, con otros temas formidables como “The Boxer” “Cecilia” “The Only living Boy in New York” “Bridge Over Troubled Water” que luego sonó muchísimo en la majestuosa versión que grabo Aretha Franklin.

Bridge over Troubled Water  es el quinto y último álbum de estudio del dúo estadounidense de folk Simon and Garfunkel. Fue publicado en enero de 1970.

El álbum cosechó un éxito mundial, vendiendo, solamente en los Estados Unidos, cerca de ocho millones de copias, y alrededor de veinte millones en todo el mundo. Alcanzó lo más alto en las listas de la revista Billboard y se mantuvo durante 10 semanas en listas; además ganó el premio Grammy al Mejor álbum del año, Mejor equipo de sonido, mientras que el tema homónimo ganó el premio a la Mejor canción del año, Mejor Letra de Canción y Mejor Canción Contemporánea “El Condor Pasa” en la entrega de premios de 1971.

Luego de terminar la promoción del álbum, el dúo se separó, siguiendo Art Garfunkel su carrera cinematográfica y Paul Simon iniciando una exitosa carrera como solista.

En el año 2020, el álbum fue ubicado en el puesto 172 de la Lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. ​

Por esta semana que el Folk de Simon and Garfunkel los bendiga. si “El Cóndor Pasa” que no sea por el “Puente Sobre Aguas Turbulentas”

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#VINYLFRIDAY “Himself-Mam” Gilbert O`Sullivan 1971

Regresamos con los discos pocos conocidos, esos que de alguna manera u otra llegaron a nuestras manos, en esta oportunidad, es el de un cantante de origen Irlandes, un suave rock con mucho sentimiento.

Este disco contenía una canción que sonó en todas las radios juveniles, hasta mas no poder y que luego fue cantada en español por el grupo Los Tres Tristes Tigres “Matrimony”

Cuando no te quedas con una sola canción y te propones a escuchar todo el disco, encuentras temas formidables, como “Nothing Rhymed” (mi preferida) “Too Much Attention” “Bye Bye” .

Raymond Edward O’Sullivan, mas conocido como Gilbert O`Sullivan nació en Wateford, Irlanda el 1 de diciembre de 1946.

Comenzó en 1967 con su sencillo debut “Dissapear” y “What Can I Do” (1968) fue liberado por la CBS como una pequeña noticia. En este punto, Raymond O’Sullivan -no así Gilbert- fue utilizado solo como compositor y cantante prometedor en ciernes. Entra Gordon Mills, mánager de MOR y de las superestrellas Tom Jones y Engelbert Humperdinck, En 1969, O’Sullivan tiene un acercamiento con Mills y se inicia una relación de sus canciones por un año y la mitad del siguiente, uniendo ambos fuerzas. O’Sullivan y Mills trabajaron alegremente y su relación de trabajo era excelente, pero desafortunadamente, años más tarde terminaría en malas actitudes y litigios.

Ha lanzado cerca de 200 discos mundialmente (entre LP, EP, singles, CD y material descargable). En el año 2009 declaró en una entrevista: “Yo compongo canciones de pop. Fin de la historia. Eso es todo lo que quiero hacer. Y es todo lo que querré seguir haciendo. No tengo interés en hacer giras, y vivir en el pasado”.

En 1970 logró el éxito con el primer sencillo “Nothing Rhymed”, un bonito tema con piano que le llevaría al puesto número 10 en el Reino Unido y que manifestaba con claridad la ascendencia del Paul McCartney más calmado en su escritura. Su siguiente número fue liberado en 1971 como “Underneath The Blanket Go” un número muy armonioso pero quedó fuera de los 30 números en las listas británicas. Se escuchó muy poco por radio porque era un tema muy duro. “Esto fue gradualmente construyendo hacia arriba”, diría O’Sullivan de su ingreso inicial en las listas. “Nothing Rhymed” fue un hit, pero “Underneath The Blanket Go” no lo fue.

La melodía exquisita y los arreglos orquestales junto a sus apariciones televisivas, en las cuales Gilbert aparecía con una extravagante estética, con pantalones cortos, jerséis con la letra G estampada y peinado a la taza, apuntalaron su fama en tierras británicas.

O’Sullivan alcanzó el éxito internacional en 1972 cuando el tema, (todo un clásico de la época), “Alone again (Naturally)” (este tema, sera un bonus track) , llegó al número 3 en el Reino Unido y al número 1 en los Estados Unidos, de acuerdo a la lista de Billboard, así como “Canción del Año” en varios países de todo el planeta. Esta canción hizo que O’Sullivan fuera conocido en ambos lados del Atlántico. Una melancólica mirada a desaparición y pérdida. Liberada a mediados de 1972 llegó muy rápido al número uno de la lista Billboard de Estados Unidos y ocupando el´número 3 en las listas británicas. Solo en los Estados Unidos, el sencillo vendió más de dos millones de copias. Quizá Alone Again (Naturally) probablemente permanecerá como su mejor canción conocida en los Estados Unidos. “Es solo una canción. Cuando fue grabada, nadie diría que esta melodía fuera a cambiar el mundo”, diría posteriormente O’Sullivan.

En esa época Gilbert ya no llevó el “jersey” con la G, los pantalones cortos y el peinado a la taza y cambió su imagen adoptando una estética más elegante y más madura.

Gilbert O’Sullivan refleja en sus canciones frecuentemente un toque anacrónico, debido a que él ha retenido su encanto. Su sensibilidad algo pasada de moda y su ingenio en sus melodías lo han colocado como un gran compositor e intérprete sustancial de su estilo.

Por esta semana que la voz melodiosa de O`Sullivan los bendiga. “Nada de Rimas” si vas a contraer “Matrimonio” y “Presta mucha Atención”